In einer Zeit, als die Sendeanstalten Deutschlands 2 (!) Fernsehprogramme im Angebot hatten, waren Kinobesuche das optische „Tor zur weiten Welt“. Nicht zu vergessen, dass der Besitz eines Fernsehgerätes keineswegs Standard war, und daher das „Gucken bei Nachbarn“ (wie in meinem Fall) oder der Gang ins Kino seine eigene Faszination bekam. Vor allem in meinen Jugend- und Studienjahren habe ich zahlreiche Kinofilme gesehen, besonders gerne in Nachtvorstellungen der damals in München-Schwabing noch zahlreich vorhandenen „Werkstatt“ - oder „Filmkunst“ Kinos.
Mit dem rasanten Aufkommen kommerzieller Großkinos, welche begannen die Zuschauer eher mit dem trendigen Ambiente von Vergnügungspalästen, als durch die Qualität der gebotenen Filme zu unterhalten, schwand zunehmend mein vitales Interesse an Kinobesuchen. Das Vergnügen, auf meinen Auslandsreisen Filme in ihrer Originalsprache anzusehen hat sich dagegen erhalten.
Einige Eindrücke sind verblasst, oder ganz verschwunden. Eine Reihe von Filmen aber hat ihre Anziehung, Frische und Einmaligkeit über alle Jahre hinweg behalten. Sie begeistern mich bei jedem Wieder-Sehen aufs Neue.

CASABLANCA
USA 1942 - Regie: Michael Curtiz

Packende Handlung, Spannung vom ersten bis zum letzten Moment.
„Ricks Bar“ bietet allabendlich den schillernd-mondänen Schauplatz, in dem alle Fäden des damaligen „Pulverfasses“ Casablanca zusammenlaufen.
Haupt- und Nebendarsteller in Hochform lassen bitten! Ob der glitschig-changierende Captaine Renault (Claude Rains), der messerscharf-schnittige Major Strasser (Conrad Veidt), der verträumt-noble Viktor László (Paul Henreid), oder der in seinem Lokal „Blauer Papagei“ Fliegen-patschende Signor Ferrari (Sydney Greenstreet): durchwegs prägnante Charaktere, die dem Spannungsnetz dieses Films gehörig Stringenz verleihen.
Oberkellner Carl (S.Z. Sakall) liefert ein Kabinettstück feinsten Humors, der panische Kurzauftritt von Ugarte (Peter Lorre) erlangte Kultstatus.
Die einstige Verbindung von Rick (Bogart) und Ilsa (Bergmann) fokussiert sich durch die Brisanz der aktuellen Lage rasant, und läuft auf ein „entweder-oder“ für beide zu. Geschliffene Dialoge, Aufflammen vergangener Gefühle, Rick’s resignierte Einsamkeit während Sam (Dooley Wilson) „As time goes by“ in der nächtlich- geleerten Bar für ihn spielt…
Humphrey Bogart brilliert unübertroffen, ebenso Ingrid Bergmann - ihr überraschendes Erscheinen in Ricks Büro bleibt ein singulär großer Moment.
Zu Recht eine Filmlegende die mit 3 Oscars ausgezeichnet wurde.

DER DRITTE MANN
England 1949 - Regie: Carol Reed

Der Film beginnt mit einem „unechten“ Begräbnis, und endet mit dem echten von ein und derselben Person: Harry Lime.
Zeit und Ort sind klar definiert: Wien in der Nachkriegszeit des Zweiten Weltkriegs, noch stark verwüstet und von den vier Siegermächten besetzt. In einer Atmosphäre zwischen „nicht mehr und noch nicht“, gelang dem damaligen Produktionsteam eine spannungsgeladene, soghaft verdichtete Visualisierung von Ausnahmerang.
Dank überragender Schauspieler, neuartig verwendeter „Schräg-Kamera“ Einstellungen (Robert Krasker), der zum Welthit avancierten Musik („Harry Lime Thema“) des Zitherspielers Anton Karas, und der in Atem haltenden Regie von Carol Reed, hat sich dieser Film eine unikale Zeitlosigkeit bewahrt.

Kürzer, als auf der neuen Digital -Veröffentlichung der Arthaus Edition lässt sich die Handlung kaum auf den Punkt bringen:
„Der Schriftsteller Holly Martins (Joseph Cotten) trifft im Nachkriegs-Wien ein, um seinen alten Freund Harry Lime (Orson Welles) zu besuchen. Er kommt gerade noch rechtzeitig zu dessen Beerdigung. Bei seinen Nachforschungen, die ihn zu der Schauspielerin Anna Schmidt (Alida Valli) führen, findet er heraus, dass Lime quicklebendig ist und seinen angeblichen Tod nur inszeniert hat, um ungestört seinen Schwarzmarktgeschäften mit Medikamenten nachgehen zu können“.

Holly Martins kann sich die verwirrenden Vorkommnisse nicht erklären und ist entschlossen, Harry Lime ausfindig zu machen. Doch sein Vorhaben gestaltet sich zäh. Paul Hörbiger als Portier Karl („Da war noch ein dritter Mann“) samt seiner keifenden Gattin (Annie Rosar) bieten einen markanten Auftakt der zunehmend seltsamen Geschehnisse, welche Martins bald hautnah einholen: nachdem ihm der Portier noch nähere Beobachtungen zum Hergang des Unfalls mitgeteilt hat, wird er am nächsten Tag ermordet aufgefunden.
Auch bei Harry Limes ehemaliger Freundin Anna kommt Martins nicht weiter, sie gibt sich wortkarg und verbittert; ihre Gefühle für Harry sind keineswegs erloschen. Lime hat der Schauspielerin gefälschte Papiere verschafft, um ihr eine Arbeitsmöglichkeit in Wien zu ermöglichen, und ihre tschechische Herkunft zu verschleiern. Allerdings fliegt die Fälschung auf, sodass Anna damit rechnet der sowjetischen Besatzungsmacht ausgeliefert zu werden. Holly Martins sagt ihr zu dies abwenden zu wollen, zumal er sich von Anna angezogen fühlt.
Ein dubioser „Baron“ Kurtz (Ernst Deutsch spielt glänzend) ist vor allem Eines: schmierig-undurchsichtig. Wieviel, und ob er etwas von dem „Unfall“ Harrys mitbekommen hat, bleibt im Ungefähren… Welche Rolle der unverbindliche Hausarzt Dr. Winkel (Erich Ponto) oder ein gewisser Popescu (Siegfried Breuer) spielt - wer weiss es?
Sowohl Martins, als auch der bemühte Major Calloway (Trevor Howard) tappen lange im Dunkeln, bis ER auftaucht: Harry Lime. Und dieser Auftritt hat es in sich! Bei Nacht, vor einem Hauseingang sieht man nichts als zwei blank geputzte Herrenschuhe, welche zuerst von einer Katze, und dann von Martins - er befindet sich auf dem Weg zu seinem Hotel - entdeckt werden.
Langsam fährt die Kamera nach oben und erfasst das bleiche Gesicht von Orson Welles, ganz in schwarz, und mit einem breitkrempigen Hut bekleidet.
Eine Szene von magischer Wirkung.
So schnell wie er aufgetaucht ist, verschwindet er nach kurzem Dialog auch wieder, und damit nimmt die Jagd nach ihm Fahrt auf.
Von Major Calloway erfährt Martins, dass sein Freund Harry Geschäfte mit gestrecktem Penicillin betreibt, welches über die gefährlichste Schieberbande Wiens verteilt wird. Dauerhafte Schäden der Behandelten, bis hin zum Tod sind die Folge des gepanschten Medikaments.
Martins geht aufs Ganze: er will Harry Lime treffen und ihn zur Rede stellen; durch Vermittlung von Baron Kurtz schlägt er ein Treffen vor. Am Riesenrad im Wiener Prater kommt es zur Begegnung. Die folgende Szene in der Gondel bietet ein Höchstmaß an Spannung, und zeigt Orson Welles auf der Höhe seines Könnens. Er verteidigt seine kriminellen Geschäfte, verweist darauf, dass für ihn das Leben Einzelner bedeutungslos sei und zieht als Joker die berühmt gewordene „Kuckucksuhr“- Rede, welche Welles angeblich aus dem Moment heraus improvisierte: „In Italien, in den 30 Jahren unter den Borgias hat es nur Krieg gegeben, Terror, Mord und Blut. Aber dafür gab es Michelangelo, Leonardo da Vinci und die Renaissance. In der Schweiz herrschte brüderliche Liebe. 500 Jahre Demokratie und Frieden. Und was haben wir davon? Die Kuckucksuhr!“ Da er während der Rede immer wieder die Tür der Riesenradgondel öffnet, entsteht für Martins (und auch den Zuschauer/in) eine beklemmende Atmosphäre. Martins lehnt es ab, sich an Harrys Geschäften zu beteiligen, daraufhin verschwindet dieser rasch im Nichts.

EXKURS
Die Verhandlungen mit Orson Welles bezüglich seiner Mitwirkung in dem Film gestalteten sich schwierig. Bis zuletzt ließ er das Produktionsteam im Unklaren, ob er überhaupt nach Wien kommen, und die Rolle übernehmen werde.
Die sagenhafte Summe von 100.000 US Dollar welche er verlangte (und bekam!!), machte schließlich den Weg frei. Dennoch mussten ein paar kurze Szenen (die ohne ihn nicht funktioniert hätten) vorab gedoubelt werden, da Welles erst einige Tage nach Drehbeginn in Wien eintraf.

Wesentlich am Erfolg des Films beteiligt ist die Musik.
Erst nach Drehbeginn fiel dem Regisseur Carol Reed in einer Wiener Gaststätte der Zitherspieler Anton Karas auf, dem er den Auftrag zu einer Musik erteilte. Nach Beendigung der Dreharbeiten wurde Karas dafür eigens nach London geflogen, wo er auf den bereits fertig geschnittenen Film seine wirkungsstarke Zither erklingen ließ.

*

Major Calloway bittet Martins nun um Mithilfe, Harry Lime zu fassen.
Daraufhin sagt dieser ihm zu, Lime in eine Falle zu locken und verabredet sich mit ihm in einem Cafe. Doch die Falle schnappt nicht zu, da Anna – ebenfalls in dem Cafe anwesend – Lime ein Zeichen gibt, welches dieser sofort versteht.
Blitzartig verschwindet er durch eine getarnte Litfaßsäule in die weitverzweigte Kanalisation Wiens, ein großes Polizeiaufgebot nimmt seine Verfolgung auf. Die spektakuläre Flucht - aufregend gefilmt - endet für Lime schließlich bei einem vergitterten Kanaldeckel, durch den er nicht mehr entkommen kann.
Wortlos, nur mit einem Kopfnicken bedeutet Harry Lime dem herbeigeilten Martins, ein Ende zu setzen - dieser erschiesst daraufhin seinen einstigen Freund.

Mit einer langen Schlusseinstellung endet der Film dort, wo er angefangen hat: auf dem Wiener Zentralfriedhof. Nach Harrys Begräbnis wartet Holly Martins (nah im Bild) auf Anna. Von Ferne sieht man Alida Valli einen langen Weg näherkommen; ohne ihm einen Blick zu widmen geht sie an Martins vorbei.

Einzigartiger Film, der zu meinen persönlichen Favoriten zählt.

MANCHE MÖGEN´S HEISS
USA 1959 – Regie: Billy Wilder

„Nobody´s perfect!“ - der vielleicht berühmteste Schlusssatz der Filmgeschichte trifft auf diesen Film nicht zu, denn er IST perfekt! Das sieht auch das American Film Institute so, welches ihn als beste amerikanische Komödie aller Zeiten benannt hat. Wenig komödienhaft allerdings der Einstieg: Gangsterboss Gamaschen- Colombo (George Raft) lässt kurzerhand einen Verräter umlegen. Pech für die zwei arbeitslosen Musiker Joe (Tony Curtis) und Jerry (Jack Lemmon), die unfreiwillig Zeugen der „Beseitigung“ werden; noch schlimmer: sie werden von der Gangsterbande entdeckt. Den beiden gelingt die Flucht, die nur ein Ziel hat: schnell und weit weg aus Chicago! Agent Poliakoff (Billy Gray) weiss nur von einer Damenkapelle, die gerade im Begriff ist für eine Saison nach Florida abzureisen und noch dringend Saxophon und Baß sucht. Man traut seinen Augen nicht, als man „Josephine“ und „Daphne“ in Stöckelschuhen den Bahnsteig entlanglaufen sieht, bereit, in perfekter Damenkleidung den rettenden Zug nach Florida zu besteigen. Aber Halt! Da will ja noch jemand mit: die bildhübsche Sugar (Marylin Monroe) verzaubert mit ihrem Erscheinen alle und Alles, und das wird sie über diesen ganzen wunderbaren Film weiterhin tun!
Schon bei der ersten Probe der Kapelle im Zug haben sich die beiden neuen „Damen“ rettungslos in Sugar verschaut; als sie dann auch noch zu singen anfängt („Runnin´ Wild“) gibt es kein Halten mehr. Die strenge Bandleaderin Sweet Sue (herrlich: Joan Shawlee) fordert Disziplin ein, misstrauisch dreinblickend…
Die Turbulenz nimmt Fahrt auf, wird unbeschreiblich. Unbeschreiblich schön, rasend komisch, sexy, mondän, zärtlich, euphorisch, sentimental, ausgelassen, bitter-sweet, das Ganze mit brillant-geschliffenen Dialogen gespickt. Dabei schrammt letztlich alles haarscharf an der Realität vorbei, denn nicht zu vergessen: es handelt sich um ZWEI Männer, die als „Damen“ in EINE Frau verliebt sind! (Und als unliebsame „Zeugen“ noch immer auf dem Schirm von Gamaschen-Colombo).
Diamond for ever: Sugars Ausflug auf die Yacht von „Shell Junior“ (wiederum Tony Curtis), bei dem Monroe ihre ganze Sinnlichkeit so fein und prickelnd spüren lässt, wie einen Hauch von Glück. Über allem liegt das Glitzern einer Nacht, die so zauberhaft unwirklich ist – vorbeizieht wie ein Traum.
Genial, wie Billy Wilder die Yacht-Romantik mit direkten Zwischenschnitten zum anderen Schauplatz des Abends kontrastiert: um „Shell Junior“ den Rücken für sein Tete à Tete freizuhalten, erbarmt sich „Daphne“, mit ihrem Verehrer (!) Osgood (Joe E.Brown) endlos Tango zu tanzen.
Absoluter Höhepunkt an Komik!
Als unerwartet die Gangsterbande aus Chicago auftaucht wird es brenzlig, die Verfolgung bedrohlich; doch glücklich endet alles für Sugar, „Daphne“ und „Josephine“ in Osgoods Motorboot, das dem Horizont entgegenfährt.

Die Perle unter Perlen! Dem Trio Monroe, Curtis, Lemmon, ist der Griff nach den Sternen gelungen – von Billy Wilder unübertroffen zum Leuchten gebracht.

DER GROSSE DIKTATOR
USA 1940 - Regie: Charlie Chaplin

Dem 51jährigen Weltstar gelang ein Film von epochaler Bedeutung!
Mitten im 2. Weltkrieg von Charlie Chaplin produziert, hätte die Realisierung und Veröffentlichung von „Der große Diktator“ zu einem „Himmelfahrtskommando“ werden können, handelt es sich doch - mit genialen Mitteln - um die vollständige Lächerlichkeitmachung Hitlers, des Nationalsozialismus und militärischer Gewalt allgemein.
Chaplin, der in der Doppelrolle des jüdischen Friseurs, sowie als Diktator Anton Hynkel des Staates Tomanien jede Gelegenheit nutzt, die Sinnlosigkeit, Niveaulosigkeit und Brutalität des Hitler-Regimes vorzuführen, erzielt mit diesem Appell an die Menschlichkeit eine erschütternde Wirkung, fernab jeder Sentimentalität.
Das von ihm verfasste Drehbuch bündelt in unübertroffener Weise die absurden Rituale des Hitler-Regimes, persifliert durch Überzeichnung, Verniedlichung, aggressiven Tonfall, sowie durch Verwendung der (unverständlichen) tomanischen Sprache, deren Inhalt sich nur erraten lässt.
Der Tanz mit der Weltkugel in Form eines Luftballons (zu den Klängen des Lohengrin Vorspiels) gehört ebenso zu den Höhepunkten des Films, wie der ständig verkehrt ausgerollte rote Teppich bei der Ankunft von Benzino Napoloni (Mussolini), sowie das Duell der beiden Diktatoren auf den sich immer höher- schraubenden Stühlen. Die ganze Tragik der Verfolgungen, Erniedrigungen und Ängste um das Überleben, zieht sich als roter Faden bis zum Ende durch diesen beispiellosen Film.

Die Schlussrede Chaplins für Frieden und Gewaltlosigkeit ist zeitlos, wird ihre Aktualität nie verlieren. Obwohl sein erster Tonfilm für 5 Oscars nominiert wurde, erhielt er bei der Preisverleihung keinen einzigen!!
Wie ein Ausgleich: der enorme finanzielle Erfolg des Films

DES TEUFELS GENERAL
Deutschland 1955 - Regie: Helmut Käutner

Im Dezember 1941 gerät der deutsche Fliegergeneral Harras (Curd Jürgens) unter Sabotageverdacht, nachdem in dichter Reihenfolge mehrere neu konstruierte Maschinen abstürzen. Der Opportunist, scharfkantig und rau im Umgang, glaubt längst nicht mehr an den „Endsieg“ und hält seine Meinung nicht zurück.
Der Hochdekorierte fällt spätestens in Ungnade als es der SS nicht gelingt, Harras für ihre Zwecke zu gewinnen. Wenig später wird er von der Gestapo verhaftet und inhaftiert, die Abholung zur Hinrichtung wird ihm suggeriert.
Unerwartet wird er entlassen und in das Reichsluftfahrtministerium zurück- beordert. Als er von der Kriegserklärung Deutschlands an die USA erfährt, sieht Harras keine realen Chancen mehr für den Gewinn des Krieges, zumal die technischen Probleme mit dem neuen Bombertyp nicht abreissen.
Die wiederholte Aufforderung von SS-Gruppenführer Schmidt-Lausitz (Victor de Kowa) der SS beizutreten schlägt er erneut aus und versucht stattdessen, den ihm unterstellten Verdacht der Sabotage zu entkräften.
Dabei stellt sich bei einem gemeinsamen Testflug heraus dass sein Freund, der Oberst-Ingenieur Karl Oderbruch (Karl John), die Sabotagen zu verantworten hat, was dieser ihm auch bestätigt.
Schmidt-Lausitz fordert Harras auf, binnen 2 Stunden den Saboteur zu nennen oder mit sofortiger Wirkung von allen Ämtern zurückzutreten, was einem Eingeständnis gleichkäme Den Gewissenskonflikt, dem sich Harras nun ausgesetzt sieht, löst er auf seine Weise: er unterschreibt seinen Rücktritt, verhindert dadurch die Verhaftung des Freundes Oderbruch der ihm noch zur Flucht in die Schweiz rät.
Doch Harras beendet den Pakt als „Teufels General“ mit seinem letzten Flug: Mit einer defekten Maschine steuert er in den Kontrollturm des Flughafens. SS-Reichsführer Himmler ordnet ein „Staatsbegräbnis“ an.

Beeindruckende Adaption des gleichnamigen Bühnenstücks von Carl Zuckmayer, welche allerdings mehrere Veränderungen zur Vorlage enthält: Die Liebelei mit Dorothea Geiss (Marianne Koch) wird ebenso filmwirksam eingebunden, wie die plastischen Szenen der Militär-Proleten.
Curd Jürgens gelingt eine Glanzleistung, die ihm den internationalen Durchbruch brachte.

LA DOLCE VITA
Italien 1960 - Regie: Federico Fellini

Anfang und Ende dieses einzigartigen Films haben eines gemeinsam: nur undeutliche Wortfetzten sind zu verstehen. Beginn: zwei Helikopter fliegen über das sommerliche Rom, an dem ersten schwebt eine Christusstatue welche für den Vatikan bestimmt ist, im zweiten sitzt der Boulevard-Journalist Marcello Rubini (Marcello Mastroianni), immer auf der Jagd nach Sensationsthemen. Sein Versuch, mit sonnenbadenden Frauen auf einem Hausdach Telefonnummern auszutauschen scheitert am Lärm des Hubschraubers.
Ende: an den Strand von Fregene wird im Morgengrauen ein seltsam-monsterhafter Fisch gespült, den eine Partygesellschaft nach durchzechter Nacht angewidert betrachtet. Die mädchenhafte Kellnerin Paola (Valeria Ciangottini) versucht, Marcello etwas zuzurufen, doch durch Meerrauschen und Windböen kann er nichts verstehen. So winkt er Paola einfach zu.

Zwischen diesem „wortlosen“ Anfang und Ende lässt Fellini das schillernde Leben von Rom`s mondäner Gesellschaft in all seinen Facetten aufleben. Marcellos Begegnung in einem Nachtclub mit der frustrierten Erbin Maddalena (bildschön-verführerisch: Anouk Aimée), die Ankunft am Flughafen Ciampino und Presskonferenz des schwedisch-amerikanischen Filmstars Sylvia (üppig-prickelnd: Anita Ekberg), die Marcello mit dem Besteigen der Petersdomkuppel und dem nächtlichen Bad im Trevi Brunnen(!) um den Verstand bringt, die Abendeinladung bei seinem Freund Steiner (ernst und sensibel: Alain Cuny), welche Marcello mit seiner (permanent eifersüchtigen) Frau Emma besucht, um Tage später vom Mord an Steiners Kindern und dessem eigenen Suizid zu erfahren, Marcellos Wiedersehen nach langen Jahren mit seinem Vater (Annibale Ninchi), zu dem er nie einen wirklichen Zugang gefunden hatte, die Eskapaden auf dem Schloss der adligen Sängerin Nico (Christa Päffgen), auf deren Party Marcello Maddalena wieder trifft, dann aber spontan eine Amerikanerin verführt.... Wieder Anlass zur Eifersucht für seine Frau Emma - heftige Auseinandersetzungen sind die Folge, die Ehe steht vor dem Aus; durch seinen Charme kann der unwiderstehliche „Cicisbeo“ aber Emma zurückgewinnen. Doch wie lange? Marcello träumt davon, dem flüchtigen Leben zu entkommen, dem sinnlosen Treiben zwischen Papparazzi und Glamourwelt „Addio“ zu sagen.
Aber wie? Gibt ihm der Wind am Meer die Antwort?

Was soll man sagen? Ein magisch-gut gelungener Film über Schein und Sein im Rom der 1950er Jahre. Berauschende Leinwand-Legende a la Italiana, mit der Fellini, Mastroianni und Anouk Aimeée den internationalen Durchbruch erlebten. Nino Rota`s Musik findet wie immer den richtigen Ton.
Unzählige Male habe ich diesen Film gesehen, die Faszination ist - immer wieder aufs Neue - geblieben!
Erhielt sowohl die Goldene Palme/Cannes 1960, als auch 1 Oscar.

8 ½
Italien/Frankreich 1963 - Regie: Federico Fellini

Nach dem Erfolgsrausch von „La dolce vita“ geriet Federico Fellini (1920-1993) in eine kreative Krise, die er schließlich zum Thema dieses surrealen Films machte. Der ursprüngliche Arbeitstitel, La bella confusione, weist auf die fehlende Struktur, Handlung und das tatsächlich „Verwirrende“ hin. Die raue Verlogenheit der Branche, Querelen mit Akteuren und Produzenten, sowie die ständigen Selbstzweifel, mit der Realität zurechtkommen zu können, zeigen den Regisseur Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) am Rande seiner Energie, zumal ihm jedwede Inspiration verloren gegangen ist. Die Folge: Flucht vor den Anforderungen der Realität. Da die Produktion des neuen Films bereits auf Hochtouren läuft, dessen Fertigstellung er sich aber nicht mehr gewachsen sieht, flieht er in einen Kurort. Doch die Akteure (u.a. Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo) und der Produzent (Guido Alberti) spüren ihn dort auf, bedrängen ihn.
Guido flieht in Tagträume - - Erinnerungen, Gegenwart und künftige Visionen gehen in einen permanent simultan laufenden Zustand über. Fellini zeigt hier sein ganzes filmtechnisches Können, indem er übereinander gelegte, nicht zu Ende geführte Dialoge oder Selbstgespräche ins Nichts laufen lässt, dazwischen aber inhaltlich dichtem, präsent geführtem Gedankenaustausch Raum gibt.
(Köstliche Szene: die Unterredung mit dem Kardinal im Dampfbad).
Auffällig auch die Virtuosität der Bildschnitte, welche vorwiegend in sehr rascher Folge gesetzt sind, und so einen mosaikhaften Eindruck hinterlassen. Unwirklich der Schluss: die Produktion des Films wird abgebrochen, alles abgebaut, und eine Clowngruppe zieht präludierend ihre Kreise, bis sie in die Ferne verschwindet….

Fellini hat sich mit 8 ½ einem filmischen Selbstportrait gestellt.
Die Musik von Nino Rota hat ihn dabei auch diesmal nicht im Stich gelassen.

DER PROZESS
Deutschland, Frankreich, England 1962 – Regie: Orson Welles

Die Romanverfilmung von Franz Kafkas „Der Prozess“ durch Orson Welles teilt das Los vieler Filmfassungen von Literaturvorlagen: das Echo von Publikum und Fachwelt ist nicht selten zwiespältig, oder sogar ablehnend.
Da Welles niemals bereit war herkömmliche Klischees zu bedienen, fiel das Ergebnis seiner Verfilmung erwartungsgemäß subjektiv aus, was letztlich aber zu einer intensiv gesteigerten Schnittmenge mit Kafkas Vorlage geführt hat.
Durch spektakuläre Kameraeinstellungen, die den „Kafkaesken Raum“ in immer neuen Varianten widerspiegeln, entstehen ebenso klaustrophobe wie surreale Aktionsflächen, auf denen es den virtuos-mutierenden Schauspieler/innen gelingt, die Wirklichkeit mehr und mehr entgleiten zu lassen.

Anthony Perkins, Jeanne Moreau, Romy Schneider und Orson Welles überbieten sich und lassen Dimensionen aufscheinen, die dem bizarren Geschehen beklemmende Unausweichlichkeit verleihen.

AVANTI, AVANTI!
USA, Italien 1972 - Regie: Billy Wilder

Der Amerikaner Wendell Armbruster (Jack Lemmon) kann nicht ahnen was ihm bevorsteht, als er dem zweifelhaften „Vergnügen“ nachkommt, seinen toten Vater aus Italien heimzuholen. Dass dieser bei einem Autounfall mit seiner heimlichen Geliebten ums Leben gekommen ist, macht das Vorhaben nicht weniger einfach und außerdem „pikant“. Spätestens als er in Ischia eintrifft, passen immer wenige Dinge zusammen:
Mit dem plötzlichen Verschwinden der beiden Verblichenen, der drall-aufdringlichen Pamela (Juliet Mills), dem in seiner sonderbaren Grandezza hofierenden Hoteldirektor Carlo Carlucci (Clive Revill) und der zwielichtig-skurrilen Familie Trotta, gerät Armbruster rasant in Verstrickungen und „Gepflogenheiten“ aus den ihn schließlich nur noch „Amore“ rettet: Pamela (Tochter der Geliebten seines Vaters) lässt ihm einfach keine Wahl, als in Romantik zu „schmelzen“…
Billy Wilder zündet ein Vergnügen mit Charme, gekrönt von herrlicher Optik.
Bella Italia in seiner ganzen Unbeschwertheit, Komik, sowie dem narkotisierenden „Duft des Südens.“

Federleichte Komödie, die einen bei jedem Wieder-Sehen vom Boden abheben lässt…

PANE E TULIPANI
Italien 2000 – Regie: Silvio Soldini

Da sie die Weiterfahrt des Reisebusses verpasst, bleibt Rosalba (Licia Magliette) allein an der Raststätte einer Autobahn zurück. Im Bus: ihre Familie und die Handtasche mit allem. Beide lässt sie entschwinden und folgt ihrer Sehnsucht: Venedig! Die Suche nach einer Übernachtungsmöglichkeit führt zu dem Kellner Fernando (Bruno Ganz), der Rosalba sowohl seine Wohnung, als auch ihr Herz öffnet. In nobler Distanz gehalten, gibt seine zugewandte Höflichkeit den Raum frei für eine Zuneigung, von der beide erfasst werden ohne damit gerechnet zu haben. Unerwartet leicht und einfühlend beginnt ein wärmendes Miteinander, dass zärtlich, scheu, fein und liebevoll die Möglichkeit von Glück aufscheinen lässt. Dabei schimmert durch Fernandos romantisches Naturell zuweilen auch seine Traurigkeit, welche aber in ihrer Ehrlichkeit das gemeinsam erlebte Glück vertieft, statt trennt. Momento adorabile: La Danza dell‘ Amore!

Sensibler Höhenflug von Gefühlen. Sah man Bruno Ganz je persönlicher?

IL POSTINO
Italien 1994 – Regie: Michael Radford

Auf einer kleinen italienischen Insel lebt der weltbekannte Dichter Pablo Neruda (Philippe Noiret) im Exil. Unmengen an Briefen erreichen ihn dort täglich, deren Zustellung er dem schüchternen Fischer Mario Ruoppolo (Massimo Troisi) überträgt. Dessen Ambitionen reichen über das karge Alltagsleben der Insel hinaus: er möchte durch Dichten und Poesie das Herz seiner geheimen Liebe Beatrice Russo (Maria Grazia Cucinotta) gewinnen und für seine Ideale leben. Zwischen ihm und Neruda entfaltet sich ein Dialog über das Leben, die Macht der Sprache, die Vergänglichkeit und den Wert der Liebe. Verständnis, Bewunderung und Einsicht gehen mehr und mehr in eine Freundschaft über, die von einer inneren Weite getragen erscheint. An den einsamen Stränden der Insel überlässt sich Mario seinen Versuchen, dem Dichten auf die Spur zu kommen und „Metaphern“ zu begreifen. Kongenial, wie diese tastenden Stimmungen von der Musik des Films eingefangen werden – Luis Bacalov bekam dafür den Oscar. Es kommt zur Hochzeit zwischen Mario und Beatrice, der Trauzeuge Neruda verlässt bald darauf die Insel. Das tragische Ende von Mario, welcher bei einer Demonstration der Kommunisten ums Leben kommt, erfährt Pablo Neruda als er Jahre später die Insel wieder besucht. Der Junge, ihm zu Ehren „Pablito“ genannt, und Beatrice spielen ihm ein von Mario hinterlassenes Tonband vor:
Geräusche des Windes, des Meeres, und auch des kleinen Herzens von Pablito sind darauf zu hören. Damit wollte „Il Postino“ die Schönheit seiner kleinen Insel schildern. Ebenso hinterliess er ein Gedicht für Pablo Neruda, welches er nicht mehr vortragen konnte…
(Einen Tag nach Drehende erlitt Massimo Troisi (Mario) einen Herzinfarkt, an dem er verstarb. Den Film hat er nie gesehen)

Wie eine Freundschaft zur Entdeckung ungeahnter Möglichkeiten führen,
und den Weg zum Selbst freimachen kann. Drehorte: die Inseln Salina und Procida.

DAS NARRENSCHIFF USA 1965 - Regie: Stanley Kramer

Opulent besetzte Schiffsreise von Veracruz nach Bremerhaven, kurz vor der Machtübernahme der Nazis. Vivien Leigh, Simone Signoret, Jose´ Ferrer, Heinz Rühmann, Oskar Werner, Michael Dunn und der „Traum in blond“ Christiane Schmidtmer, geben sich die Klinke in die Hand. Schwankend wie der Passagierdampfer selbst, ist auch die Stimmung der Reisenden, welche in ihrer ganzen Unterschiedlichkeit Revue passiert. Konflikte, Träume, Hoffnungen, Ängste, Flirts, Erinnerungen und Alltäglichkeiten gehen fliessend - Alkohol inbegriffen - ineinander über. Einem Mobile gleich, durch welches das Licht der unterschiedlichen Biographien und Befindlichkeiten fällt, entsteht unter den Passagieren eine zunehmend dichte Verknüpfung, die sowohl Einsamkeit, als auch euphorisch gestimmte Annäherungen widerspiegelt. Was dies alles mit den Zuschauern des Films zu tun hat? Das letzte Wort, direkt an sie gerichtet, bleibt dem bucklig-kleinwüchsigen Karl Glocken: „Nichts“.

Regisseur Stanley Kramer ist es gelungen, den Weltklasse Schauspielern ein Stück ihrer Identität zu entlocken. Simone Signoret (Komtesse) und vor allem Oskar Werner (Dr. Schumann) im freien Fall ihrer Emotionen.
Nachhaltig wirkender Film, der mit 2 Oscars ausgezeichnet wurde.

MENSCHEN IM HOTEL
Deutschland/Frankreich 1959 – Regie: Gottfried Reinhardt

Der Titel des Films bringt die Handlung bereits auf den Punkt. Das Berliner Grand Hotel bildet den opulenten Rahmen für Menschen aus aller Welt, Gäste auf Zeit an ein und demselben Ort. Unterschiedliche Lebenswege und Situationen kreuzen sich, Schicksale werden in Umrissen schlaglichthaft beleuchtet. Zwischen „Woher und Wohin“ bildet sich ein Raum offener Möglichkeiten, vertaner Chancen, nicht mehr änderbarer Irrtümer und Ungewissheit.
Begegnungen verwehen, kommen sich näher, entfernen sich wieder oder gehen in ein Miteinander über. Vor allem aber: man bleibt Gast.
Der Charme versprühende Hoteldieb Baron von Gaigern (O.W. Fischer), die lebensmüde Primaballerina Grusinskaja (Michèle Morgan), der pflichtbewusste Buchhalter Kringelein (Heinz Rühmann in seinem Element), der aufbrausend-eitle Industrielle Preysing (unübertrefflich: Gert Fröbe), welcher seine Sekretärin „Flämmchen“ (Sonja Ziemann) nicht nur zum Diktieren beschäftigen möchte… - sie bilden jenes Mosaik, welches durch seine Unterschiedlichkeit ein Ganzes wird.
Nach dem Roman von Vicky Baum ist dem Regisseur Gottfried Reinhardt (Sohn von Max Reinhardt) ein sehr stimmungsvoller Film gelungen, nicht zuletzt durch die dezent-swingende Musik von Hans-Martin Majewski.

DOKTOR SCHIWAGO
USA/England/Italien 1965 - Regie: David Lean

Vor dem Hintergrund des Ersten Weltkrieges und der Oktoberrevolution 1917 gerät der junge Arzt Juri Schiwago in einen inneren Zwiespalt. Sein Herz und seine Gefühle pendeln zwischen zwei Frauen hin und her, er sieht dafür keine rationale Lösung und wird zunehmend von seiner Vergangenheit und den sich rasch verändernden politischen Umständen eingeholt.

Spektakulär ist an diesem Film alles! Mit 5 Oscars ausgezeichnet, wurde der Romanvorlage von Boris Pasternak trotz erheblicher Modifizierung ihr episches Gewicht belassen. Landschafts- und Innenaufnahmen haben Maßstäbe gesetzt, die Regie von David Lean hält auf hohem Niveau alle Fäden zusammen, und die Namen der Schauspieler sprechen für sich: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Rod Steiger, Tom Courtenay, Alec Guinness. Kurz aber prägnant: Klaus Kinski als Gefangener Richtung Sibirien mit schnoddrig-wirren Floskeln.
Ganz wesentlichen Anteil an der Wirkung des Films hat die Musik von Maurice Jarre. Die Balaleika Klänge und Sehnsuchtsmelodien verbinden sich emotional mit der Optik, wie Hand und Handschuh. Speziell „Lara’s Theme“ wurde ein Welterfolg.

Kino (am besten auf Breitwand) der ganz grossen Gefühle.

DER SPION DER AUS DER KÄLTE KAM
England 1965 - Regie: Martin Ritt

Die Handlung dieses Agenten-Thrillers ist – wie könnte es anders sein? – verwickelt, eine Nacherzählung wäre verwirrend.
Es handelt sich um einen der packendsten Filme dieses Genres, der die Härte und Tristesse zur Zeit des „Kalten Krieges“ plastisch zur Geltung bringt. Das Filmende, der Fluchtversuch an der Berliner Mauer ist Spannung pur.
Richard Burton (Alec Leamas), Oskar Werner (Fiedler) und Peter van Eyck (Hans-Dieter Mundt) überbieten sich gegenseitig!

HOMO FABER
Frankreich/Deutschland/Griechenland 1991 - Regie: Volker Schlöndorff

Auf einem Geschäftsflug lernt der Ingenieur Walter Faber (Sam Sheppard) einen Herrn Hencke (Dieter Kirchlechner) kennen. Als es zu einer Notlandung in der Wüste kommt erfährt er von diesem, dass er der Bruder seines Studienfreundes Joachim ist, welcher im Dschungel von Guatemala eine Tabakplantage besitzt. Faber entschließt sich spontan, die Reise gemeinsam mit Hencke fortzusetzten als dieser ihm mitteilt, er sei auf dem Weg zu seinem Bruder.
Nach einer mühseligen Autofahrt durch den Urwald dann der Schock: Joachim hat sich mit einem Kabelbinder in seinem Büro erhängt.
Verstört kehrt Faber nach New York zurück, beendet die Beziehung zu seiner Lebensgefährtin und begibt sich auf eine einwöchige Schiffsreise nach Europa. An Bord lernt er ein junges Mädchen (Julie Delpy) kennen, in welches er sich verliebt. Sabeth (wie Faber sie nennt) ist auf dem Weg nach Athen, wo sie ihre Mutter besuchen möchte. Zum zweiten Mal innerhalb kurzer Zeit wird Faber von seiner Vergangenheit eingeholt als sich herausstellt, dass Sabeth`s Mutter seine ehemalige Studienkollegin Hanna ist. Eine Heirat mit ihr kam vor 21 Jahren nicht zustande, da es Differenzen über die gemeinsame Tochter gab.
Ein Ausflug ans Meer in der Nähe Athens endet für die Verliebten grausam.
Während Faber schwimmen geht, bleibt Sabeth am Strand zurück und wird unvermittelt von einer Schlange gebissen. Sie springt auf und stürzt – ihr Kopf schlägt auf einem Fels auf. In Panik bringt Faber Sabeth in ein Krankenhaus, der Schlangenbiss wird erfolgreich mit einem Serum behandelt. Doch Sabeth stirbt an den Folgen der Schädelbasisfraktur. In den Tagen des Krankenhausaufenthaltes von Sabeth wohnt Faber bei Hanna (Barbara Sukowa). Noch vor Sabeth`s Tod erfährt er von Hanna, dass er Sabeth`s Vater ist und sich mit seiner eigenen Tochter vereint hat.
Walter Faber wird vom Schmerz über die Endgültigkeit von Sabeth`s Tod überwältigt.

Subtil realisierte Verfilmung des Romans von Max Frisch, welche von der Kritik weitestgehend als wenig geglückt bewertet wurde.

DIE PHYSIKER
Deutschland 1964 - Regie: Fritz Umgelter

Im Mittelpunkt der Handlung stehen drei Physiker, die sich als Geisteskranke ausgeben. Der erste von ihnen (Kurt Erhardt) behauptet, Albert Einstein zu sein, der zweite (Gustav Knuth) hält sich angeblich für Isaac Newton. Der dritte, Johann Wilhelm Möbius, hat die sogenannte Weltformel entdeckt, die in den falschen Händen zur Vernichtung der gesamten Menschheit führen könnte. Mit seiner Behauptung, ihm erscheine König Salomo, will er sich selbst unglaubwürdig machen und so dem Missbrauch seiner revolutionären Entdeckung vorbeugen. Newton und Einstein hingegen sind in Wahrheit Agenten rivalisierender Geheimdienste und haben sich nur ins Irrenhaus einweisen lassen, um an die Erkenntnisse von Möbius zu gelangen, um diese für ihre Zwecke zu instrumentalisieren.
Die drei Physiker ermorden nacheinander ihre Krankenschwestern, weil sie um ihre Geheimnisse fürchten. Als die Polizei (Siegfried Lowitz) zur Ermittlung der Todesfälle eintrifft, vernichtet Möbius seine Formel. Bei einem gemeinsamen Abendessen kann er seine beiden Kollegen davon überzeugen, ihr gefährliches Wissen zu verschweigen, um die Welt vor dem Untergang zu bewahren. Doch der Pakt der Physiker kommt zu spät. Mathilde von Zahnd, die missgestaltete Besitzerin und Chefärztin des Irrenhauses, hat bereits sämtliche Aufzeichnungen von Möbius kopiert. Als die einzig wirklich Verrückte glaubt sie tatsächlich, im Auftrag König Salomos zu handeln, und will mit der Formel die Weltherrschaft erringen. Die Physiker aber, durch die von ihr eingefädelten Morde öffentlich als Verrückte eingestuft, bleiben im Irrenhaus eingesperrt und haben keine Möglichkeit mehr, den Wahnsinn zu verhindern.
(Inhalt zitiert nach Wikipedia)
Mit den „Physikern“ landete Dürrenmatt einen spektakulären Theatererfolg. Nach der Uraufführung am Schauspielhaus Zürich (21. Februar 1962) wurde es zum meistgespielten Theaterstück im deutschsprachigen Raum nach dem Zweiten Weltkrieg.

Die Aktualität der „Physiker“ hat nichts von seiner Brisanz verloren. Das beklemmend-dichte Fernsehspiel von 1964 bietet hochklassige Schauspieler auf, allen voran Therese Giehse (der das Stück gewidmet wurde) als Fräulein Dr. Mathilde von Zahnd. Singulär, wie ihr die Darstellung der irrwitzig-perfiden Ärztin gelingt.

LIEBESGRÜSSE AUS MOSKAU
England 1963 - Regie: Terence Young

Die Frage, welcher der James Bond Filme die Rangliste anführt, dürfte eine individuelle Angelegenheit bleiben; ähnlich der Auswahl auf einer verlockenden Speisekarte, entscheidet letztlich der persönliche Geschmack.
Der meine favorisiert „Liebesgrüsse aus Moskau“. Denn der zweite Bond-Film fängt die Atmosphäre eines Agenten-Thrillers „on the rocks“ noch sehr authentisch ein: spannende Handlung von Anfang bis Ende, keine ausufernden Materialschlachten oder Verfolgungsjagden, faszinierende Schauplätze (Venedig, Istanbul, Madrid, Schottland), die ersten, herrlich einfachen „technischen“ Utensilien, ein unwiderstehlicher Sean Connery (ist für mich der überzeugendste Bond geblieben), an seiner Seite „Tatjana Romanova“ (Daniela Bianchi), deren Namen und Aussehen kein Widerspruch sind, die giftig-harte KGB Natter Rosa Klebb (gefährlich gut: Lotte Lenya), die Eleganz und Schlagfertigkeit, die Bond so leicht fällt - „From Russia with love, I fly to you“.
Nicht zu vergessen: die Musik von John Barry.

Sean Connery selbst war der Meinung, dass es sich um einen der besten Bondfilme der gesamten Reihe handelt.

DER PATE
USA 1972 - Regie: Francis Ford Coppola

Anlässlich der Hochzeit seiner Tochter Connie (Talia Shire) richtet der mächtige Mafiaboss Don Vito Corleone (phänomenal: Marlon Brando) ein Fest mit mehreren Hundert Gästen aus. Während diese sich Vergnügen, machen Mitglieder der „Familie“ Vito Corleone ihre Aufwartung, verbunden mit Bitten um Gefälligkeiten. Dabei geht es um die Wahrung der „Ehre“, Erpressung, Rache, und die Ausweitung des Drogen- und Heroinhandels in New York. Speziell diesem Geschäft aber steht Corleone ablehnend gegenüber; wenig später wird zweimal ein Mordanschlag auf ihn verübt wird den er überlebt, allerdings schwerverletzt. Die Rache der Corleones folgt unmittelbar, aber Vitos Tage sind gezählt. Machtverlust, Gebrechlichkeit und sein plötzlicher Tod im Tomatenbeet haben zur Folge, dass die „Familie“ nun von seinem Sohn Michael (Meisterleistung: Al Pacino) in eine herausfordernde Zukunft geführt wird.

Dreiteiliges Film-Epos nach dem Roman von Mario Puzo über die Mafia-Familie Corleone. Künstlerisch und kommerziell einer der spektakulärsten Erfolge der Filmgeschichte. Die Realisierung gestaltete sich außerordentlich schwierig, da zwischen Paramount (dem produzierenden Studio) und dem Regisseur, dem damals 31jährigen, wenig erfahrenen Francis Ford Coppola, in wesentlichen Fragen keine Einigkeit bestand. Sowohl die Besetzung von Vito Corleone mit Maron Brando, als auch die des Paten Michael Corleone mit Al Pacino, setzte Coppola gegen den Widerstand von Paramount durch. Das Ergebnis übertraf alle Erwartungen und hat ihm Recht gegeben.
Kongenial Nino Rota`s Musik, die in ihrer Bittersüsse die Bildwirkungen enorm verdichtet, und eine zeitlose Dimension hinterlässt.
Das Budget betrug 6 Millionen Dollar, der Film wurde mit 3 Oscars ausgezeichnet.

DER CLAN DER SIZILIANER
Frankreich 1969 - Henri Verneuil

Mafia-Boss Vittorio Manales (Jean Gabin) möchte Paris den Rücken kehren und mit seiner Familie zurück nach Sizilien. Außerdem will er dem zum Tod verurteilten Killer Roger Sartet (Alain Delon) zur Flucht verhelfen, welche auf spektakuläre Weise auch gelingt. Doch der beinharte Kommissar Le Goff (Lino Ventura) hat die Fährte aufgenommen - ein Wettlauf gegen Skrupellosigkeit und raffinierte Täuschungsmanöver beginnt. Eine Affäre von Sartet mit der Tochter von Manales wird von diesem tödlich mit dem Revolver beantwortet, bevor er in seinem eigenen Haus von Le Roff verhaftet wird.

Drei Schauspieler der Spitzenklasse sorgen für Spannung erster Garnitur.
Kamera: Henri Decae

DER MAULWURF
Frankreich/Schweiz 1982 - Regie: Yves Boisset

Der ehemalige Spion Sébastien Grenier (Sonderklasse: Lino Ventura) wird mit einer Reihe von Morden konfrontiert, welche sich unvermittelt und ohne eigentliches Motiv ereignen. Dabei werden auch einstige Agenten eines französischen Spionageringes zu Opfern, was Grenier wiederum als persönliche Bedrohung wahrnimmt. Ein zwielichtiger „Schweizer Bundesrat,“ Jean-Paul Chance (Michel Piccoli), nimmt mit Grenier Kontakt auf und lenkt den Verdacht auf Greniers Frau: sie habe angeblich Kontakte zu linksradikalen Extremisten. Grenier merkt, dass er getäuscht wird, zumal sich sowohl das Büro als auch die Telefonnummer von Chance als falsch herausstellen. Nach einem weiteren Terror-Attentat auf einen Bundesrat in Zürich wird Grenier klar, dass Chance mit den Tätern oder auch einem anderen Geheimdienst zusammenarbeitet. Denn als die zunächst unter Verdacht gestellte Frau von Grenier vorläufig festgenommen wird, taucht ausgerechnet Chance bei der Polizei auf, um deren Freilassung zu erwirken. Grenier tappt weiterhin im Dunkeln, mit wem er es eigentlich zu tun hat. Die Flucht mit seiner Frau aus der Schweiz misslingt, da diese zunächst entführt, und dann ermordet aufgefunden wird. Grenier erschiesst bei einem nächtlichen Treffen in der Züricher Polybahn Chance, da er diesen für den Mörder seiner Frau hält; doch dies stellt sich als falsch heraus. Grenier spürt, dass ihn sein eigener Geheimdienst fallen lässt, ein Spiel hinter den Kulissen legt die Vermutung nahe, dass ein „Maulwurf“ enttarnt werden soll. Als er - etwas abseits - an der Beerdigung seiner Frau teilnimmt, wird er aus dem Hinterhalt - von wem? - erschossen, seine Leiche vergraben. Jahre später wird diese von Jägern gefunden.

Bis zum Ende bleibt unklar, mit welchen Gegenspielern es Grenier eigentlich zu tun hat. Ventura und Piccoli bleiben sich nichts schuldig.
Gedreht wurde in Zürich und München, die Musik von Ennio Morricone hält, was sie verspricht.

SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD
Italien/USA 1968 - Regie: Sergio Leone

Ein verlassener Bahnhof, irgendwo in der amerikanischen Halbwüste.
Zu hören sind: das konstante Quietschen eines Windrads, das Summen einer Fliege, rauschende Windböen, die den Sand aufwirbeln.
Zu sehen sind: drei Revolvermänner, die kurzerhand den Bahnhof in Beschlag genommen haben und in der Mittagshitze die Ankunft eines Zuges erwarten. Dieser trifft schnaubend nach einer Weile ein, fährt nach kurzem Halt weiter und gibt den Blick auf den einzig Reisenden frei, der ausgestiegen ist. Auf seiner Mundharmonika lässt er eine schwermütig-klagende Melodie vernehmen.
Die drei Revolvermänner, schon im Abgehen begriffen, stoppen schlagartig als ihnen der Unbekannte zuruft: „Wo ist Frank?“ – denn diesen hatte er statt der drei Komplizen eigentlich erwartet. Er bekommt zur Antwort. „Frank ist nicht hier“. Nach dem Zuruf, sie hätten zwei Pferde zuviel mitgebracht, erschießt „Mundharmonika“ (outstanding: Charles Bronson) blitzartig Franks windige Kumpanen, bevor diese ihn erledigt hätten.
Bis dahin – 13 Minuten lang – war der Film nur von Geräuschen untermalt. Dann erst setzt überwältigend die Musik von Ennio Morricone ein, welche zu seinen genialsten Leistungen gehört, und den Erfolg dieses Ausnahme-Westerns wesentlich mitbestimmt. Die vier Hauptprotagonisten werden durch eine jeweils nur ihnen zugehörige Melodie charakterisiert, welche in Leitmotivtechnik bei ihrem Erscheinen erklingt. Besonders die textlosen Vocals für Jill (Claudia Cardinale) und das „Lied vom Tod“ bescheren dem Film singuläre Stimmungen und haben Kult-Status erreicht.
Der Bau einer Eisenbahnlinie ist nur der Rahmen der ausgedehnten Handlung, welche auf vier Personen fokussiert ist, die durch ein Geflecht von Rache, Gier und Mord verbunden sind. Mit Charles Bronson, Henry Fonda (als eiskalt-zynischer Killer „Frank“), Claudia Cardinale und Jason Robards (Cheyenne) sind vier Weltklasse Schauspieler aufgeboten die sich nichts schuldig bleiben. Speziell (der bis dahin relativ unbekannte) Charles Bronson, sowie Henry Fonda (in seiner ersten „bösen“ Rolle) liefern Momente für die Ewigkeit: das Duell der beiden Giganten ist schlicht atemberaubend.
Stark, wie der Beginn des Films, ist auch das Ende - - „Mundharmonika“ geht seiner Wege und verschwindet mit dem Satz: „Irgend jemand wartet immer“.

Sergio Leone dreht mit diesem Meisterwerk das ganz große Rad!

ZWEI GLORREICHE HALUNKEN
(Il buono, il brutto, il cattivo)
Italien/Spanien/Deutschland 1966 - Regie: Sergio Leone

Aus drei mach zwei: warum der italienische Originaltitel in der Übersetzung auf zwei reduziert wurde bleibt ein Rätsel…denn „Zwei glorreiche Halunken“ sind eigentlich drei. Rauer, spannungsgeladener Italowestern, der unter die Haut geht, zumal die drei „Rauhbeine“ nicht zum Spaß agieren. Der Gute (Clint Eastwood) und der Hässliche (Eli Wallach) jagen gemeinsam einer Geldkassette hinterher, werden dabei aber von dem skrupellosen Kopfgeldjäger Sentenza (Lee Van Cleef) ausgebremst. Doch der Inhalt von 200.000.- Dollar lässt die drei – natürlich nur wenn es sein muss – gemeinsame Sache machen, um an den Zaster zu kommen. Da aber keiner von ihnen die Beute teilen will, kommt es am Ende zum Showdown auf einem Friedhof, der an Hochspannung beispiellos geblieben ist.

Letzter Teil von Leones „Dollar-Trilogie“, zu dem ihm sein Schulfreund Ennio Morricone auch diesmal eine Musik von Ausnahmerang lieferte, die als eine der originellsten und eindrücklichsten in die Filmgeschichte eingegangen ist.
Er verwendet das Heulen eines Kojoten als Hauptthema, mexikanisch-galoppierende Rhythmen, Schüsse, Pfeifen und Jodeln, außerdem charakterisiert Morricone den „Blonden“ mit einer Flöte, den „Hässlichen“ mit Gesang, und Sentenza mit einer Okarina (Gefäßflöte) und lässt zum legendären Ende des Films das Lied L`estasi dell´oro („Ekstase des Goldes“) von einer Trompete spielen, die kein Erbarmen kennt.

WENN KATELBACH KOMMT
England 1966 - Regie: Roman Polanski

Ein schwarzer Punkt am Horizont, der sich in Zeitlupentempo nähert und schließlich ein Auto erkennen lässt – darin die beiden verletzten Gangster Richard (Lionel Stander) und Albert (Jack Mac Gowran). Auf ihrer Flucht, und um sich vor der steigenden Flut zu retten, fallen sie überraschend in der Burg des Paares George (Donald Pleasence) und Teresa (Francoise Dorléac) ein.
Wenig später verstirbt Richard, der Kumpane Albert bleibt sich selbst überlassen.
Zunehmend grob und aggressiv behandelt er seine „Gastgeber“, übernimmt das Kommando über deren Tagesablauf und versucht immer wieder aufs Neue, telefonisch seinen „Boss“ Katelbach zu erreichen - jedesmal ergebnislos.
Die klaustrophobe Situation verschärft sich zunehmend, schlägt von Sorglosigkeit ins Bedrohliche um. Als Gäste von George und Teresa auftauchen, entspannt sich die Lage kurzfristig, wenngleich diese äußerst verwundert über den „neuen Butler“ (Teresas Notlüge) sind, der ohne jede Manieren agiert…
Katelbach, der weder erreichbar ist noch erscheint (wie von Albert ständig erhofft) wird zum Phantom, das ständige Warten lässt den Alltag auf der Burg erstarren. George gleitet zunehmend in schizophrene Anwandlungen ab, die für Teresa nicht mehr nachvollziehbar sind und zur Folge haben, dass sie George verlässt. In einem Anfall von Lachen und Verzweiflung „inszeniert“ George das Ende, indem er den Gangster Albert erschießt und sein eigenes Auto anzündet.

Skuril-satirisches Psychogramm mit makaberen Anklängen, die Absurdität streifend. Polanskis zweiter Spielfilm zeigt bereits unverkennbar seine Handschrift. Donald Pleasence sorgt für Gänsehaut, die tragisch-früh verstorbene Francoise Dorléac für Esprit. 1966 mit dem Goldenen Bären ausgezeichnet.

TANZ DER VAMPIRE
England 1967 - Regie: Roman Polanski

Der Fledermausforscher Professor Abronsius (Jack MacGowran) reist mit seinem Schüler Alfred (Roman Polanski) in die Südkarpaten, da er dem Vampirismus auf die Spur kommen, und diesen bekämpfen möchte. Erste Station ist ein zwielichtiger Gasthof, in dem nicht nur die in rauen Mengen dekorierten Knoblauchketten merkwürdig sind…Schüler Alfred traut seinen Augen nicht, als er Sarah (Sharon Tate), die bildhübsche Tochter des Wirts, in der Wanne des eigenen Badezimmers antrifft und magnetisch von ihren Reizen angezogen wird. Als Sarah kurz darauf das erste Vampiropfer des Grafen von Krolock (Ferdy Mayne) persönlich wird ist dem Professor klar, dass man sich in nächster Nähe des Vampir-Sitzes befinden müsse. Dieser, in Form eines eingeschneiten Schlosses, wird auch sehr schnell von Abronsius und Alfred entdeckt; Graf von Krolock empfängt die beiden „Gäste“ uns lässt ihnen Zimmer zur Nachtruhe zuweisen. In köstlich-gruseliger Weise nehmen die Turbulenzen nun ihren Lauf, bis es schließlich aus Anlass eines Schloss-Balles zum „Tanz der Vampire“ - inclusive aller Ahnen und Opfer der letzten Jahrhunderte - kommt.
Während Abronsius lediglich an seinen Forschungsergebnissen interessiert ist, hat Alfred nur eines im Sinn: er möchte Sarah (mittlerweile selbst zur Vampirin mutiert) aus den Fängen der Vampire befreien, was in einer abenteuerlichen Flucht im Schlitten auch gelingt. Abronsius auf dem Kutschbock, Alfred und Sarah in zärtlicher Umarmung hinter sich, kann nicht ahnen was hinter seinem Rücken geschieht: aus Sarahs verführerischen Lippen wachsen unvermittelt zwei Vampirzähne heraus, mit welchen sie den selig-verliebten Alfred als neues „Mitglied“ begrüßt. Während der Schlitten weiter durch die winterliche Vollmondnacht gleitet, beschliesst eine Stimme aus dem Off den Film: “In jener Nacht wusste Professor Abronsius noch nicht, dass er das Böse, das er für immer zu vernichten hoffte, mit sich schleppte. Mit seiner Hilfe konnte es sich endlich über die ganze Welt ausbreiten“.

Polanski - zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 33 Jahre alt - brilliert als Regisseur, Drehbuchautor und Darsteller in Personalunion. Perfekt und amüsant inszeniertes „Grusical“. Zwei Jahre nach Erscheinen des Films wurde Polanskis Ehefrau Sharon Tate auf grauenhafte Weise ermordet. Man kann nur ahnen, welchen Verlust er hinnehmen musste. Die Außenaufnahmen wurden weitgehend in den Südtiroler Dolomiten gedreht.

WITWER MIT 5 TÖCHTERN
Deutschland 1957 - Regie: Erich Engels

Witwer Friedrich Scherzer (Heinz Erhardt) ist mit seinen 5 Töchtern vor allem eines: überfordert! Seine Tätigkeit als Schlossverwalter nimmt ihn gehörig in Anspruch, und als von jetzt auf gleich die Haushälterin kündigt, nehmen die Turbulenzen im Haus Scherzer Fahrt auf. Als rettende Hand bietet sich die Nachbarin, Frau Hansen (Lotte Rausch), an, die aber nicht bei allen Töchtern Gegenliebe findet. Als dann missmutige Anwohner auch noch das Jugendamt auf Scherzer hetzen, und eine Party der Töchter mit Freunden über alle Stränge schlägt, stellen sich dem Witwer die Haare auf. Alles kommt aber zu einem guten Ende, als die älteste Tochter dem Herrn Papa nahelegt, es wäre doch wieder an der Zeit für eine „Frau im Haus“. Er könne doch mal Frau Hansen auf ihrem geplanten Urlaub nach Westerland begleiten. Man kann sich vorstellen, wie der Urlaub enden wird….

Wem nach Lachen und gemütvoll-heiler Welt zumute ist, der kommt hier auf seine Kosten! Heinz Erhardt als Jux-Kanone erster Güte ist umgeben von einem Reigen fähiger Schauspieler/innen: Helmut Lohner, Christine Kaufmann, Vera Tschechowa, Peter Vogel, Susanne Cramer, Chris Howland. Nicht zu vergessen das zuckersüße „Julchen“ (Elke Aberle) und Coco Schumann als Musiker im Schloss. Komödienherz, was willst Du mehr?

TOTE SCHLAFEN FEST
USA 1946 - Regie: Howard Hawks

„The big sleep“ von Raymond Chandler steigert sich durch die höchst gelungene Verfilmung zu einem optischen High-Light mit Kult-Status.
Privatdetektiv Philip Marlowe (Humphrey Bogart) nimmt einen Erpressungsfall in Los Angeles an und gerät dabei in einen verwickelten Sumpf, der ihn schließlich selbst in Bedrängnis bringt. Ganoven aller Coleurs, Nachtclub-Pflanzen, geldige Snobs, und die undurchsichtigen Schwestern Vivien (Lauran Bacall) und Carmen Sternwood (Martha Vickers) halten ihn auf Trab, bis sich das Geschehen zu einem unerwarteten Ende zuspitzt.

Spannender Film noir! Bogart mit hart-geschärften Punktlandungen; zwischen ihm und Lauran Bacall (gemeinsame Heirat 1945) fliegen die Funken.
Die Blue Ray Veröffentlichung enthält zwei Versionen des Films (1945/1946)

BEI ANRUF MORD
USA 1954 - Regie: Alfred Hitchcock

Als er zufällig den Seitensprung seiner Frau Margot (Grace Kelly) entdeckt, ersinnt der ehemalige Tennisprofi Tony Wendice (Ray Milland) den „perfekten Mord“ an ihr. Nicht zuletzt, um an das Vermögen seiner Frau zu kommen. Er bringt seinen ehemaligen Studienkollegen Charles Swann dazu, den Mord für ihn auszuführen, während er selbst zur erdachten Tatzeit einen Clubbesuch mit einem Freund arrangiert. Wie er meint, ein sicheres Alibi.
Doch es kommt anders, und das in völlig unerwarteter Weise. Tony Wendice kommt und bringt sich immer mehr in eigene Bedrängnis, zumal es dem scharfsinnigen Kriminalinspektor Hubbard (John Williams) gelingt, dessen Mordplan - sozusagen „rückwärts“ - zu durchschauen, und Wendice mit einer List zu überführen.

Ein beabsichtigter Mord misslingt trotz sorgfältigster Logistik, der Mörder wird selbst zum Opfer. Hitchcock landet mit dieser genial umgesetzten Wendung des Geschehens einen Coup Raffinement.

DER UNSICHTBARE DRITTE
USA 1959 - Regie: Alfred Hitchcock

Eine fingierte Verwechslung wird für den ahnungslosen New Yorker Werbefachmann Roger Thornhill (Cary Grant) zum Albtraum. Der Entführung und Erpressung durch einen undurchsichtigen Spionagering entzieht sich Thornhill durch Flucht, welche ihn aber in immer neue Verwicklungen verstrickt und quer durch die USA treibt. Dabei versucht er ständig die Verwechslung aufzuklären, kommt aber immer aussichtsloser in Situationen, welche sich zunehmend surreal gestalten. Hitchcock reiht die einzelnen Flucht-Episoden aneinander, ohne sie wirklich zu verbinden, was letztlich die Spannung erhöht und den Verlauf immer unwirklicher werden lässt. Durch geschicktes Timing gelingt ihm die Imagination, den Zuschauer/in zunehmend Teil des Geschehens werden zu lassen. Legendäre Wirkung erzielten der „Messerwurf-Mord“ im UNO Hauptgebäude (in dem Hitchcock keine Drehgenehmigung erhielt), die sogenannte „Maisfeld-Szene“, sowie die Fluchtszene von Eve (Eva Marie Saint) und Thornhill über die steinernen Präsidentenköpfe des Monuments von Mont Rushmore.

Sicher ein Höhepunkt in der Filmografie Hitchcock`s, der für spätere Regisseure Vorbild wurde und zahlreiche Adaptionen von Schlüsselszenen zur Folge hatte. Trotz ständiger Hochspannung, humorvoll und mit leichter Hand inszeniert.

DAS INDISCHE TUCH
Deutschland 1963 - Regie: Alfred Vohrer

Auf Schloss „Marks Priory“ finden sich die neun Erben von Lord Lebanon ein,
da dieser während eines Telefongesprächs heimtückisch mit einem indischen Tuch erdrosselt wurde. Bei der Testamentseröffnung erfährt die zerstrittene Verwandtschaft den „vorletzten Willen“ des Lords: dieser bestimmt sie dazu, die kommenden sechs Tage und Nächte auf dem Schloss zu verbleiben, erst dann wird ihnen die jeweilige Erbverteilung mitgeteilt. Sollte einer der Erben den Ort vorzeitig verlassen verfällt dessen Anspruch und wird unter den übrigen aufgeteilt. Wenig begeistert von dieser Anordnung bezieht die Gesellschaft ihre Zimmer; kurz darauf wird der erste Erbe tot aufgefunden – erdrosselt mit einem indischen Tuch. Die Polizei kann nicht verständigt werden, da ein heftiges Unwetter die Strom- und Telefonverbindung unterbrochen hat. Rechtsanwalt Tanner (Heinz Drache) übernimmt intern die Ermittlung, doch die Mordserie setzt sich nach der immer gleichen Methode fort: einer nach dem andern wird mit einem indischen Tuch ins Jenseits befördert.
Nur noch Tanner, Isla (Conny Collins), der Sohn des Lords (Hans Clarin) sowie die strenge Lady Lebanon (umwerfend gut: Elisabeth Flickenschildt) bleiben übrig. Da kommt der Lady ein Verdacht, welcher sich als richtig erweist…
Mit der überraschenden Erkenntnis, dem Täter auf die Spur gekommen zu sein, wird sie dennoch sein letztes Opfer.

Aus der Flut der unterschiedlich gelungenen Edgar Wallace Verfilmungen setzt sich dieser Film deutlich ab. Das stimmungsvolle Ambiente und die köstlich-prägnant agierenden Schauspieler/innen bieten wohlige Spannung bis zum Schluss. Der kühl-smarte Heinz Drache, Hans Clarin (grossartig!), Siegfried Schürenberg, Giesela Uhlen, Klaus Kinski und Eddie Arent werden von Regisseur Alfred Vohrer („Mister Krimi“) zu Bestform animiert.

DER TOD IN VENEDIG
Italien 1971 - Regie: Luchino Visconti

„In Tod in Venedig verarbeitete Visconti Erfahrungen der Vergänglichkeit und des Alterns, des Verfalls und des nahenden Todes und knüpfte an ein Daseinsthema an, das er bereits in den Filmen Der Fremde und Der Leopard behandelt hatte. Das melancholische, von autobiographischen Elementen durchzogene Künstlerportrait unterscheidet sich von den präludierenden Vorgängern, indem es den körperlichen Verfall des Protagonisten ins Zentrum rückt und den lauernden Tod mit Sinnbildern der Vorahnung andeutet. Dabei verbindet er Themen wie Dekadenz und Künstlerproblematik, platonische Liebe und Elemente der Philosophie Arthur Schopenhauers sowie Friedrich Nietzsches, die sich im Werk Thomas Manns finden, und zeigt den Bewusstseinsstrom Aschenbachs mit Rückblenden“ (zitiert nach Wikipedia).

Obwohl Visconti weitgehend der Novelle von Thomas Mann folgt, hat er nicht unerhebliche Abweichungen vorgenommen. So wird im Film aus dem Schriftsteller, der gescheiterte und kränkelnde Komponist Gustav von Aschenbach. Der Choleraausbruch in Venedig wird wesentlich früher als im Original thematisiert, und Aschenbachs sehnsüchtige Anwandlungen gegenüber dem Knaben Tadzio (Björn Andrésen) intensiv, statt zunächst beiläufig (wie in der Vorlage) gestaltet. Auch die Prostituierte Esmeralda (Carole André) und der aufbrausende Schüler Alfried (Mark Burn) sind bei Thomas Mann nicht zu finden. Aschenbach (kongenial: Dirk Bogarde), die Musik Mahlers und Venedig selbst, gleiten ineinander über wie in einem Dreiklang. Die Wirkung ist stark.

„Sterben in Schönheit“ - so könnte eine Kurzfassung der Verfilmung lauten, die bereits vor der Veröffentlichung heftige Kontroversen auslöste. Diese zielten besonders auf die Verwendung des Adagiettos aus Mahler`s 5. Sinfonie als „Filmmusik“. Auch wurden die von Visconti eingesetzten Rückblenden und weiteren Veränderungen an der Vorlage von Thomas Mann angegriffen. Federführend waren Mitglieder der Familie Mann, sowie eine Reihe prominenter Musiker und der Präsident der Gustav Mahler Gesellschaft. Den enormen Erfolg des Films konnten die Einwände nicht aufhalten.

LUDWIG II.
Italien, Frankreich, Deutschland 1973 - Regie: Luchino Visconti

Einfühlsame Verfilmung von Leben und Niedergang des Bayernkönigs Ludwig II. Visconti ist die Verehrung des kunstsinnigen Königs anzumerken, da es ihm gelingt, eine sensible Charakterisierung des Menschen Ludwig abseits seines Königsamtes nachzuzeichnen.
Ästhetisch und in optisch prachtvollem Ambiente, wird die Zerrissenheit und Einsamkeit des Königs verdeutlicht. Sein weitsichtiges Engagement für Richard Wagner, die Errichtung der Prunkschlösser (bis heute eine der stabilsten Einnahmequellen Bayerns), seine Menschenscheu und sein Abgleiten an der Realität, werden in dieser Würdigung des Bayernkönigs auf hohem Niveau präsent.
Helmut Berger (in seiner vielleicht besten Filmrolle) gelingt eine Meisterleistung, die seinen Nimbus als „schönster Mann“ bestärkt hat. Packend, wie er die Veränderung der Psyche und das Ende des Königs in Umnachtung realisieren konnte.
Romy Schneider hat ihre Mitwirkung an dem Film davon abhängig gemacht, nicht in das süssliche „Sissi-Klischee“ ihrer 50er Jahre Verfilmung gedrängt zu werden. Dies ist ihr in wunderbarer Weise gelungen, da sie den feinen Humor und die immer wieder erwähnte Zynik der Kaiserin unnachahmlich funkeln lässt.
Gedreht wurde in sämtlichen Königsschlössern, der Roseninsel, dem Cuvilliés Theater, der Kaiservilla in Bad Ischl und am Starnberger See. Die Innenaufnahmen fanden in Cinecittà statt.
Von diesem Film existieren mehrere, teils erheblich gekürzte bzw. „verstümmelte“ Fassungen. Eine aktuell digitalisierte Blue Ray Veröffentlichung bietet in hoher Qualität das Original

ALLMEN UND DAS GEHEIMNIS DER LIBELLEN
Deutschland 2017 - Regie: Thomas Berger

Johann Friedrich von Allmen (Heino Ferch) ist weder Privatdetektiv noch Kriminalbeamter. Dafür aber ein ausgesprochener Bonviant, der Luxus als Selbstverständlichkeit ansieht und von seinem Butler Carlos (Samuel Finzi) nicht gerne daran erinnert wird, dass er sich permanent am finanziellen Abgrund befindet.
Da Allmens Geldsorgen bedrohliche Formen annehmen, kommt ihm die Affäre zu der Millionärstochter Jojo Hirt (Andrea Osvárt) gerade recht. Der Zweck heiligt die Mittel, daher hat er keinerlei Skrupel aus der Kunstsammlung von Jojos Vater (Hanns Zischler) die legendären „Libellen“-Vasen zu entwenden. Jedoch hat er weder mit deren „Geheimnis“ noch perfiden Widersachern gerechnet….

Erfrischend humorvoll und in optisch noblem Ambiente residiert, machen diese niveauvollen „Divertimenti“ einfach Laune. Da auch Spannung und amüsant-glasklare Dialoge nicht zu kurz kommen, sind dem Vergnügen keine Grenzen gesetzt.

Bisher erschienen drei weitere Folgen:
Das Geheimnis des rosa Diamanten
Das Geheimnis der Dahlien
Das Geheimnis der Erotik

DAS LEBEN DER ANDEREN
Deutschland 2006 - Regie: Florian von Henckel Donnersmarck

Herausragend beeindruckender Film über den Staatssicherheit-Apparat der DDR und die Kulturszene Ost Berlins. Auch wird die Geschichte der DDR in ernsthafter und sorgfältig recherchierter Weise verdeutlicht; durch authentisch gewählte Schauplätze und Original-Utensilien wird eine durchwegs beklemmende Atmosphäre erreicht. Ulrich Mühe (eindrucksvoll), Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur und Thomas Thieme bringen ihr Können zur Geltung, indem sie kompromisslos die Härte des DDR Alltags verdeutlichen.

Trotz kontroverser Beurteilungen wurde der Film mit zahlreichen Auszeichnungen prämiert, darunter auch dem Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Zu Recht.

WEISSENSEE (Serie)
Deutschland 2010 - 2018 – Regie: Friedemann Fromm

Am Beispiel der unterschiedlichen Familien Hausmann und Kupfer, werden die Verhältnisse in der DDR zwischen 1980 und 1990 sehr realistisch und überzeugend dargestellt. Dank erstklassiger Schauspieler (u.a. Uwe Kockisch, Florian Lukas, Stephan Grossmann, Ruth Reinecke, Hannah Herzsprung, Jonas Hämmerle, Katrin Sass, Jörg Hartmann, Anna Loos, Ferdinand Lehmann) gelingt einer der wesentlichsten Beiträge zum Thema geteiltes Deutschland und Wiedervereinigung. Bewundernswert gelungen: Drehbuch und Regie

COMMISSARIO BRUNETTI
Deutschland 2000-2019 - Regie: Christian von Castelberg /Sigi Rothemund

26teilige Serie, die auf den erfolgreichen Romanen von Donna Leon basiert.
Joachim Krol (Folge 1-4). Uwe Kockisch (exzellent!), der kauzig-eitle Vice Questore Patta (Michael Degen, begeisternd komisch), Karl Fischer (phlegmatisch und schlau) und „Signorina Elettra“ (der charmante Augenaufschlag in Person: Annett Renneberg) gehen den teils fiktiven, teils realen Fällen in origineller Weise nach. Trotz der zuweilen dusteren Themen, herben Erkenntnissen und der damit verbundenen Abscheu bezüglich perfider Machenschaften, hält der gesalzene Humor die Ermittler bei Laune. Vor allem aber: die Augen dürfen baden! Hauptdarsteller Venedig ist in prachtvollen Aufnahmen verewigt. Dafür nimmt man selbst Morde in Kauf…

Fernsüchtig machende Aufnahmen der Serenissima.

DAS DSCHUNGELBUCH
USA 1967 - Regie: Wolfgang Reitherman

Die Geschichte: das Findelkind Mogli wächst im Dschungel bei einer Wolfsfamilie auf und trifft dort im Lauf der Jahre auf freundliche, faszinierende, eigenartige, aber auch weniger freundliche und gefährliche Tiere. Bis er dann am Ende des Films auf ein „menschliches Wesen“ trifft, und das ist - wen wundert es? - ein bildhübsches Mädchen.

Von was soll man mehr schwärmen?
Die atemberaubende technische Meisterleitung dieses Zeichentrickfilms, die herrliche Story, der Mix zwischen Spannung und lässigem Humor („Probier`s mal mit Gemütlichkeit“), die durchwegs begeisternden Einfälle, über die „Herrschaften“ Tiere einfach nur staunen zu können: ob Balu der Bär, die Riesenschlange Kaa, der Panther Baghira, die Geierfamilie Buzzy, Dizzy, Ziggy und Flaps, der grausig anschleichende Tiger Shir Khan, King Louis, der Bananenflutschende Affenkönig und natürlich Colonel Hathi, das Oberhaupt der Elefanten (allein der Aufmarsch der Elefantenpatrouille ist den Besuch des Films wert), und der Swing der happy-feeling Songs - dies alles macht DAS DSCHUNGELBUCH zu einer Glücksoase!

Mein erster Kinofilm.

DIE KONFERENZ DER TIERE
Deutschland 1969 - Regie: Curt Linda

Optisch bezaubernder Zeichentrickfilm mit Tiefgang und berührendem Humor.
Zeigt in beklemmender Weise auf, dass die Menschheit mehr in den eigenen Untergang investiert, als in Frieden, Freiheit und Achtsamkeit gegenüber der Natur zu leben. Erich Kästner schrieb das Buch 4 Jahre nach Ende des 2. Weltkrieges. Wieviel Chancen sind seither verstrichen….

„Die 365. Friedenskonferenz der Menschen ist ergebnislos zu Ende gegangen“ -
50 Jahre nach Erscheinen des Films (1969) aktueller denn je!
Übrigens hatte Kästner das Buch bereits 1949 Walt Disney zur Verfilmung angeboten. Mit den Worten „No politics“ („Keine Politik“) wurde es von diesem abgelehnt.

Daniel Beyer
Wien/Fuschl/München
Dezember 2022